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关于“练习”
——兼谈成人学钢琴之八
勤学苦练，持之以恒！只有反复的练习，刻苦的练习、不间断的练习、科学而有规律的练习、灵活机智的练习，才能达到一定的艺术境地。练手练眼练耳练脑练心练气，方可神方可化。犹如习字，必须先磨再炼；必须气沉腹底，心静如水。方能有龙腾虎跃，神韵俱佳。
首先，我们谈一谈练琴的时间。
时间就是生命。对于一位终生从事钢琴演奏职业的艺术家而言更为重要！而作为业余学习的成人又何尝不是如此呢？家庭孩子、工作事业等一切日常生活都在有限的时间中支付。只能像海绵中挤水，像沙子中淘金那样争分奇秒才行，有了时间在数量上的保证，究竟如何安排要根据自己的实际情况，因人而异。但最好是每天都坚持练琴。有着极快视奏能力的人，有着超凡音乐记忆的人，有着天生柔顺而迅捷的手指机能的人，均可比只凭刻苦勤奋而扎实的人要容易掌握而且快得多，对于一位职业演奏家或要成为钢琴演奏领域的佼佼者，若以一天不少于7小时计算，一天都不停止，至少需要10年时间，以小时计算，大约在25000至26000小时之间。这大概是造就一位钢琴演奏家所需时间框架。若每天练习时间减少，那么总量不变，年数就会延长。我们不苛求业余学习的成人像上述时间表一样，也不可能每天能练7个小时。但通过我在教学实践，若每天能坚持3个小时（早、中、晚各一小时）的练习，完全有可能在两年多的期限内，达到“车尔尼849”的水平。因此，成人在学钢琴时，首先要有时间保证，切忌在练习题过程中断断续续或琐事不断。否则会前功尽弃！尤其在技术方面，将会七零八乱，永远衔接不上。自然就会对艺术表达造成影响，感觉也因此而受梗。在有3个小时作保证的前提下，如何有质量的分配和利用这点有限的时间，我以为不论是集中练习，还是分段练习，首先要明确认识到自己在哪方面比较弱，需要更进一步地强化，就应该在这方面“先下手为强”，多下点功夫。要有不到南墙不回头的韧性，要有不到长城非好汉的雄心，要有不见黄河泪不干的恒心！哪怕只用其中的三分之一时间来啃这块骨头，都要合理地使用这一小时的时间，千万别养成眉毛胡子一把抓的混乱习惯，以至于什么都练了，好像什么也没练。年复一年，水平仍在原位。更不能只盯着好听的乐曲不放，而忽略了关键性的技术问题。必须先集中精力解决技术难题，再花10分钟分析作品或“顺”教材；然后再听示范音响，在脑海中有一个“标本”。最后才开始练习。一旦暂时无法攻克，就回过头来分析其原因。只有找出问题，才能寻求解决的办法，一时仍骑虎难下，就放下来，不要急于求成！再重新回到技术课题上，或弹一弹自己比较顺手的东西，效果会相对的好一点。既不浪费时间，也不消耗精力，学习的兴趣同样不会减弱。
那么下面，我们接着谈一谈具体的练习步骤和行之有效的方法。
一、练习题步骤：
练什么？在没有专业教师指导一情况下，首先要解决“支撑”问题，亦所谓五指范围内的“站”立问题。依次分别是“走——跑——跳——飞”。这是任何习琴者的必经之路。这个过程犹如施主前去拜佛。假如我们去少林寺，就必须先到登封，再一级一级去上去，莫以为自己已经在进山的路上，其实需要很长和时间，才能望见隐约的山门。此门在习琴途中，相当于《车尔尼299》第36条（多种技术综合的反向进行）。入了门还未进庙，又走了一段路，你看到了真正的庙门，佛并没出现，而是韦陀在那儿守着，背后是弥勒佛，这是第一拜。再走便是四大金刚；进得大雄宝殿，最后才有资格拜见如来大佛。如果说这个比喻有点艰深，我再打个比方吧：如小孩开始学步，先由妈咪扶着站起来。放到一种固定的形式中继续站立，待稳住身体之后，才打开“笼子”让其行走，而这时候仍需要“带”。否则他会歪三倒四，甚至于跌倒。因此，让每个手指都能在琴键上单独站立最为重要！如何让单指站住，练习方法很多。我在这里只提一种方法，即著名的“肖邦位置”。（肖邦1810——1849）波兰钢琴家、作曲家。被誉为“钢琴诗人”将二、三、四指放在三个黑键位置（#F#G#A），大指小指放在二个白键位置（E和C），先从第三指开始，再依次是二、四、一、五指。因为这个位置最适合人类的自然状态下的手型。黑键较高且窄，可使手掌凸起，犹如走钢丝；而白键较低且宽，正好适于粗细而短的大小指，犹如过马路。同时可以尽早接触黑键，对于成人，因为理论上不受束缚，所以，在一边解决站立的同时，为了尽早地建立两个手不同思维的概念，先把两个脑子分开来，可让另一只手进行10种常规节奏的变奏。10种常规节奏分别是：以4/4为例如下，1、X–––‖；2、X–X–‖；3、X X X X‖；4、XX XX XX XX‖；5、XXX XXX XXX XXX‖；6、XXXX XXXX XXXX XXXX‖；7、XXX XXX XXX XXX‖；8、XXX XXX XXX XXX‖；9、XXX XXX XXX XXX‖；10、XX XX XX XX‖。
刚开始练习时，尽可能多的与全音符组合，这样有利于解决站立问题，能有足够的时值去思考。如4/4的[X–––与X X X X]等。两手互换练习，注意要想全音符的手，要唱变奏的手。必须最少弹四小节，而且必须要想到和听到。对于成人而言，只要做到这一点，就不会存在顾了一只手而顾不了另一只手的现象。手分不开，是因为思维问题。学琴伊始，就要培养用概念练习的习惯。不能只盯着关节和音符，要启动大脑和听觉。
当单指在三个黑键位置，按三、二、四、一、五的指序（记住：一定要分开练再合并侧重左手）练习了一段时间，至少左三天，右三天，双手也三天。就开始进行五指范围内的组合练习。它们分别是：2/4：1 2‖；1 3‖；1 4‖；1 5‖；2 3‖；2 4‖；2 5‖；3 4‖；3 5‖；4 5‖；3/4：1 2 3‖；1 2 4‖；1 2 5‖；1 3 4‖；1 3 5‖；1 4 5‖；2 3 4‖；2 3 5‖；2 4 5‖；3 4 5‖；4/4：1 2 3 4‖；1 2 3 5‖；1 2 4 5‖；1 3 4 5‖；2 3 4 5‖；共二十五个基本组合。都从大拇指开始，先右后左再合。合练时，不仅要做十种常规节奏的变奏练习，而且要采用至少两种方法，即A：相同的指法弹不同的音符；侧重右手指法，侧重左手听音。B：不同的指法弹相同的音符；侧重左手指法，想双手节奏。如四四拍：右一二三四、左五四三二若要更灵活一些，变化则无穷尽，而音与音之间的组合更多。像前面提到的组合规律，若倒者弹过却去就不一样；如果再让小节之间互相组合，同样变化万千。我建议除了上述组合之外，采用属于中级手指练习的《什密特手指技术》为教材较好。它在不带保持音和带保持音的118条练习曲中，全在五指范围之内运动，而且有很好的保持音练习。一开始就能感受到多声部的练习，当然，采用变奏至关重要。尤其是附点，复附点。在这里，我要提醒大家，为什么非要先练单音再两个、三个、四个、五个音进行组合呢？这就像学习汉字的道理一模一样，必须先学点横撇捺，再学框架再组词造句。同时要注意三个音为一拍的几种节奏，如三连音XXX、后十六XXX、前十六XXX和切分节奏XXX等。千万不敢忽视它们的强弱位置与手腕动作。关键是学会用耳朵练习！从第一个音就开始听辩，更要两个小音符之间的弧度和互动。 这时可供选择的教材，如上面提到过的《什密特手指技术》及《拜厄钢琴教程》的65条之前的练习曲，要求在五指范围内均可。《哈农练指法》虽然是一本手指初级教材，但它一开始不是在五度内，而是扩展到了六度等，就出现了扩大指距的练习。因此，当站立在五指范围内解决之后，再练《哈农》，相当于“走”的过程。而这个前提仍然是前面提到过的两个、三个、四个、五个音组合的走动。最关键的是两个小音符之间的走动。无论你采用何种奏法练习——连奏：指不断声不断。关键在于重量转移，即抬起来弹下去，掌关节很重要；非连奏——指断声不断。每触一次键换一个手腕，内心歌唱是关键。手腕的控制是要点；断奏——指断声也断但意不断（基本属于“跳”的环节）。走是旋律线进行的保证，因此，必须注意两个小音符内在的律动和走向。如同一个单词，只有组好词，才有可能造好句子。这时候再练习《哈农》是识时务的。当走得踏实稳妥后，再开始“跑”，才算进入了钢琴训练的基础技术阶段。灵活、均匀、独立的音阶、琶音等技术的跑动，要比单纯的速度更重要
如同一串大小均匀、色泽一致、味道相仿的葡萄，更像一串颗粒一样的佛珠，用心作线把它们串起来，从跑到“跳”，就顺理成章了。至于“飞”，如溅水花似的打水漂，这是功到自然成的境界。非心练而不可及！
在这个过程中，从指、腕、臂、身到耳、心、气、神等境界，关键的一点是要领悟到钢琴演奏的奥秘之处，在于声音！不是手指的快速跑动，而是持续延绵的内力；不是高指的大幅度运动，而是尽量小的低指动作中所可能高度集中和凝聚的、最大的气力；不是手脂的第三关节（掌心处），而是极富弹性和坚挺有力的第一关节（指肚处）。表面上看似进度不错，实则如绵絮虚浮而轻飘。因此，我有必要向大家介绍八种触键的练习方法，以便结合你正在使用的教材，分别进行练习。
A；高抬指快触键。把手指高抬、像“鸡啄米”似的快速下键，犹如“灵蛇吐信”。以求稳准、坚挺、有力的声音。可将双手全部按在琴键上，再依次抬起弹奏，其它指不动。
B：低指快触键。手指完全贴键、动作缩小到从琴键的表面至发出声音的那个点，离键时又回到键面而不离开。如果能弹出坚定、有力而宏亮的声音，要比高抬指更有价值。
C：手指指尖跳音。犹如蜻蜓点水，主要目的是训练手指第一关节灵敏、快速、集中、轻盈、尖锐的触键方式。如果没有一个快速、良好的收缩，手指就会疲软、发出的声音模糊，就不会有珍珠般的、颗粒性强的、清晰的、穿透的、明亮的音质。
D：手腕跳音。手腕贵在控制与调节，要柔和、柔顺而柔韧。在外在动作上要与“非连奏”区别开来。其训练方法同手指跳音。
E：肘部顿音。基本目的是使手掌以下向外挺出，手腕以上放松，力量直传指尖。
F：非连奏。指断声不断。任何一个音，都有准备——触键——持续——离键的过程，正像“发力点——呼吸点——击弦点——发声点”必须贯通一体的道理一样，内心要有一条音线把四者联起来，便可达到非连奏的最佳效果。
G：连奏。力量要凝聚在掌心，而气息则要控制在手腕，如同一个调节阀。“深圆似转簧”这句话恰如其分地说明了力量的衔接和转移。
H：半触键。把力量集中在琴键一半的地方发声。这是比较高级的练习，一般成人很难学到，故不再赘述。
按照上述八种训练方法，如果能把，《哈农》的每一首练习曲按半音关系移至12个调上练习，效果就不一样了。因此，很多方法并不是教条的东西，只要自己灵活一点，方法完全可以在练习过程中得到。
在练习步骤中，其实还包括一个技术进阶问题，本文不再阐述。读者可在“关于技术”一文中了解。
二、练习方法：
我始终以为“方法”并非一尘不变的“圣经”。它要根据实际情况而论。尤其是对于音乐的理解。因此，创造，是关键盘性的环扣。唯其创造，才有收获。但对于初学者而言，还是有必要作到如下几点。
1、慢练。
慢，主要是针对那些一练琴，就盲目追求印象中的速度或因不节制而长时间形成的“无速度概念”练琴的学员而言。我这里所说的慢练，也并非老牛拉破车般四平八稳的练习。慢练的前提，首先必须要让每一个音独立地、清晰地产生它应该的声音。犹如放大镜，将每一个音的律动，尽可能完美地表现出来。它可以把乐曲中的一切细枝抹节放大，使学生能谨慎地注意到音乐的每一个细胞。慢练，一般情况下是指大脑对于手指的支配慢一点，但这并不代表大脑对音乐思维的控制和指挥也慢。反而要迅捷并超前一些。因为任何人的思维都先发制于行为。
在慢练中，运动性的记忆是非常重要的。音乐在时间流程中产生，在这个过程中，如果单纯的慢练而不去及时地记忆，将会浪费许多时间。练来练去，仍如一盘散沙，人行之后依旧是老样子，一点痕迹都不可能存留。而音乐正是一种过程艺术，只有在一分一秒的延续中巩固你所练习的一切，才能将其形成一个连续不断的思绪，尤其是指法。科学而顺畅、简炼的指法，是在最短的时间内掌握一首乐曲的前提，绝对不能轻视或随心所欲。可有些成人不注意这一点，尤其是在一些歌曲的即兴弹奏中，更是放任自流。结果却乱七八糟，使旋律连基本的分句和走向都分不清楚，而且一遍和一遍不一样，使的错误百出。其实，任何乐曲的发展都是有一定规律的。尤其是教材中的绝大多数练习曲，特别是左手的指法，更是有规律可循，一慢二看三通过；只要在慢练时仔细分析，认真总结，就一定能够在视谱阶段记下最理想的指法。当然，这里所说的指法，也是相对而言的，绝无不变的问题。学习者或已达到一定即兴弹奏水平的成人，除了个人习惯性的指序外，要多参考不同版本，最后确定合理而实用易记的指法。其实，在确定指法的同时，大脑对键盘的框架已十分明确，以便有更多的精力确定分句、确定语气、语调和呼吸。掌握了指法，只能说明这一笔一划用什么方法来写，却不能代表这一字一词或一句所要表达的意思是什么。我一直强调，要从第一个音开始就要注意听，就要注意这一个音所具有的色彩和质量，就像一个字，可以把它分解成一笔一划，再从这一笔一划中探求其含义。自然当组合在一起时，意思就丰富了。中国的汉字更具备这种条件。所以，我也不断要求成人多读点中国作品，尤其是唐诗宋词，读得多而透彻一些后，对确定音乐的分句，尤其是呼吸，的确具有潜移默化的意义，久而久之，对提高自己的音乐表现力，会有很大的作用。但对音乐语气、语调和呼吸的理解，应该在基本练习时就注意。不仅要认识到一个音的独立意义，更要积累两个音、三个音、四个音或更多的音，以及不同音组成的不同节奏型或一连串的音群，音流和音块等到，它们自身的特点和它们之间的关系。可以毫不夸张地讲，分句是否正确，是体现演奏者音乐素养之高低的一个重要标志。为什么具有同样熟练程度的演奏技术的人，所表现出来的音乐却截然有优有劣呢？这一问题的根本所在，不是技术的高下，而是对音乐中最小结构的分句处理不当。正如理解一首唐诗一样，必先一句一句的体会，才能够真正地、彻底地、完全地理解整首诗所要表达的思想感情和艺术境界，可有很多成人，不是静下心来分析，而是急急忙忙地往下练，促使音乐一团粥，眉毛胡子一把抓。且不说你的指法如何，就整个音乐而言，实在是难以恭听，因此，仔细地划分乐，不光是音符表面上的东西，还要具备一些如曲式、和声方面的知识。所以，我才强调要读一些古典诗词。读唐诗，不能泛泛地涉猎，不能走马观花似的浏览。而要有选择有目的地深读细读。
单纯地划分乐句，勾勒出呼吸点还不够，应该更进一步地分析其进行方向和动作走向。其实，在慢练过程中，任何两个音之间的呼吸和走向，已经被整体放大了。如果能同步记忆，能够事先分析和想象，再结合实际的声音效果而深层的感触和综合，确定基本的动作走向是很容易做到的。之所以许多成人在弹琴时呆板的像一具僵尸，怎么动也动不起来。既便是能多少动弹一点的，除了手指运动之外，可能只有脚在动（毫无思想的“打拍子”）或肩膀耸端等。但实际上，这些所谓的动作都是多余的、言行不一致的。根本很难与音乐上下左右之间的弧度相吻合，更难与旋律发展的高低起伏相联系。很直接地讲，这种“动”严重地影响了乐曲所要体现的韵律，进而使一首乐曲的意境受到破坏。但有些成人也发现了这些问题，情不自禁的发问：自己为什么动不起来呢？大家要知道，音乐是由一个个“呼吸”构成的。没有呼吸，就没有乐句，没有起伏，没有语调，没有结构。何谓“呼吸”呢？简单地讲，呼吸是生命的基础。没有呼吸系统就没有血液循环，就没有情感的柔曼舒缓和激越奔畅，也没有语调的轻重缓急和抑扬顿挫，更没有生命的酸甜苦辣和悲欢离合，同样，没有呼吸就没有音乐！ 呼吸，必须与气息结合起来。鉴于这章主要谈的是练习，虽说呼吸必须体现在整个练习过程，但我将专文论述，在初学阶段，没必要也没可能对气息、气韵等深层次的问题理解得
透彻。只要能够正确地划分乐句，将句与句之间的动作走向弄清楚，对于建立基本的结构框架来说，已经很不错了，随着练习的进阶和理解表现程度的提高，再在表面意义的呼吸上体会气息等便容易许多。但我必须要提醒大家，就单位拍的呼吸、强弱拍（小节内）的呼吸与小节之间的呼吸，这些貌似平静的呼吸分子而言，是构成大气韵的必然因素，切不可眼高手低，顾大局而不谋一时，而导致乐思在贯通上失控，使音乐缺乏内在的延续和连绵，就是说，只有从一个音着手，才能够将整首作品“得心应手”。在这里，我不妨将战国时（约前313——238）思想家、教育家荀子的名文《劝学》中的一段话摘抄于此，以便于同学们共勉：“故不积跬步，无以至千里；不积小流，无以成江海。骐骥一跃，不能十步；驽马十驾，功在不舍；锲而舍之，朽木不折；锲而不舍，金石可镂”。
确定了音乐进行的基本动向后，找出困难片断加以练习，仍是慢练过程中应该注意的一个环节。对于初学者而言，一般情况下，常常遇到的困难，主要在第三小节或第三句。如《拜厄钢琴教程》的第一阶段中的练习曲，结构最大也最多的也超不出单二部曲式，而且第二段所用的材料多与第一段相近。只要在乐句中找出变化因素，如第52曲，这是一首单二部，调性为C大调的练习曲。在前面的练习曲中，只接触过2/4、3/4、4/4节拍，此曲为6/8节拍。对于初学者而言，这算一个难点，但问题不大。因为左手的分解和弦均匀而一贯至终，从形式上没有任何变化，这也正给6/8节拍提供了直观性认知。以八分音符为一拍，每小节六拍。这种节拍的音乐通常比较优雅，要把旋律线条弹奏流畅自如，不要弹出节拍重音，应该更多考虑长乐句的线条（四小节）。其难点在每一乐句的第三小节处。像第一乐句的第三小节，右手的节奏首先与前两小节形成了对比，左手的分解和弦同样从主和弦进行到属和弦上，手的位置发生了变化。在《拜》中，从主到属和弦（分解）的指法安排不如《车尔尼599》中的科学。虽然指法有变化，但手位不变。我以为初学者在学习《拜》时，应将版本中的[五三一（135）五三一（725）]改成[四二一（135）五三一（725）进行练习。在第二乐句中，同样在第三小节处有些变化。而第二乐段的第一乐句，直接从属和弦开始，因此要作为难点练习。如果将四个乐句联结起来练习时，这里正处在“第三乐句”位置。在《车尔尼》系列中，在《车尔尼流畅练习曲849》等和其它一些过渡性教材中，这种情况也屡屡发生。因此，通过对初级教材的学习，从中可找到一个规律，这也是曲式结构的基本原则，即四小节为一句，第三小节为一难点；四个乐句为一段，第三句为一难点。
面对所谓的难点，要有临危不惧的精神和锲而不舍的态度反复练习。犹如登攀泰山去观日出，纵然有数不清的弯道和艰辛，只要迈开第一步，困难也就会在整个过程中消逝。因为你首先想到的是喷薄而出的太阳，是会当凌巅的气概。可是许多成人缺乏耐心，一旦遇到困难，要么急躁，要么放弃，殊不知，无限风光在险峰。只要静下心来认真琢磨每一块顽石和障碍，想尽一切办法清除荆棘和杂草，一定会通向理想之界。换一种方式，如果把眼前的困难理解成像你初学时的迷茫，那么，这点难处不就迎刃而解了么？当然，慢练是乏味而又费时的。但往往通过这种表面上“无为”的做法而达到“有为”者，却是真正的大成者。它不仅仅是因为克服了这一具体的难点，关键在于因此而形成的练习作风，以至于为更进一步的提高，奠定了不可替代和难以估量的基础。所以，慢练是至关当紧的、惟一能够不断进取的前提。
2、分解与综合式的练习。
中国有句俗语叫“举一反三”，意思是指从一件事情类推而知道许多事情。那么将其倒过讲呢？它又会变成从许多问题里总结出一种答案。这就是我要阐述的分解与综合式练习方法。许多成人都爱犯一个毛病，囫囵吞枣式的、从头到尾不停地反复练习。在此之前，我有必要把音乐的表达程序作一简要的概述；A：引子前奏——是音乐的高度概括和提示，它基本能把本作品（主要是歌曲）的风格、调性显示出来。B：主题——表达整首乐曲的基本乐思，并用作全或一部分发展的音乐基本材料。一般是前四小节。也就是开始的一句。C：重复——是旋律发展的一种常用手法。它起着强调或巩固某一音乐形象的作用。在初级教材中，这种手法比比皆是，不一例举。D：变奏——在原来音乐材料的基础上进行变化，包括旋律和节奏。E：展开——把原来的音乐材料加以扩展和自由变化，最重要的是在不同高度上重复，即模进。F：对比——引伸出新材料，形成矛盾或冲突。G：再现——将原主题再重复或变化重复。一般体现在三部以上的结构中。只有了解了这些原理后，才能够分工处理，也就是分解练习。为什么现在的人都喜欢吃鸡珍、鸡翅、鸡腿、鸡脖、鸡爪之类而不愿将一只整鸡炖出来吃呢？在这里，不仅有商家的技巧的谋略，而且还体现了分解与综合之间的关系。一只整鸡从数量到份量或到味道等各个方面，对于商家而言，其利润绝对不如分解成各种肢件卖的高。关键的问题是一只整鸡，在一位厨师的手下，只能烹成一种味道。但将其分肢另烹，不光是价格上的优势，其味道亦可调制成各种口味。老少皆宜，岂不皆大欢喜！卖家赚了哲学的钱，买主还了食学的愿。你来我往，天长地久。打这个比方的目的是说分解的价值，有时候要比综合的价值高得多。因此，我们有必要更进一步地探计关于分解与综合练习的内质和具体办法。
A：分手练。
钢琴（包括任何乐器的演奏）是要用双手乃至全身协调运动来产生完美音响效果的乐器，不论是基本练习还是乐曲，都要分手练习。相对成人而言，我建议在进行基本练习时，先从左手开始，并要对左手多进行一些变体练习。这就是我经常要求大家的两句话：“哪只手弱强化哪只手；哪根指头弱强化哪根指头”。为什么先练左手呢？不仅是因为左手弱，主要原因在于成人对左手的使用和控制能力较差。在弹奏时，总有一种感觉是左手不由自主地跟上右手跑，没有独立存在的意义。这对于学习复调音乐极为不利。所以，一开始就让左手先行，一来强化了，二来又有意识地分解了大脑对左手控制的思维概念。但在进行乐曲练习时，还是要根据作品来选择哪只手先练哪只手后练。一般情况下，主调音乐（由主旋律与和声背景构成）的旋律大部分在高声部，多用右手弹奏，因此，先练右手部分的主旋律是正确的。既便在复调音乐（由几个相对独立但又互相依存发展的线条构成）中，仍先练右手是合适的。但有一点必须要明确，就是在练一只手时想到另一只手所担当的声部。最好能做到“想一只手唱一只手”。还有一点，就是在许多情况下，常把注意力集中在音符较密集或升降号多的地方，而忽略了音符少的位置。殊不知，物以稀为贵，这个位置恰好是音乐的灵魂。因此，必须注意到每一个音符、每一个线条和每一个声部独立存在的意义，分手练便不可避就。
B：分乐句练。
音乐的语气犹如说话一样，首先要分乐句练。先练两句，再练另外声部。然后双手再将这两个乐句综合起来练。练习时，要练此句看彼句，练彼句想此句。一般情况下，要做到“一慢二看三通过”，保持在三遍之内把脉摸准。否则，人的“运动性记忆”又将会从头开始。我这里所说的两句，其实有许多小节是一样的。在初学阶段，这种组合有利于乐思在脑海中的连贯。但一句一句地练则更细致。练完一句再练第二句，再将两句连起来练习。当进行到第三句时，完全可以放开乐曲结构进行新的组合，如第一句与第三句，第二句与第三句组合，依此类推。只要用心去记，效果则更好。只有真正了解每个细节的正确演奏都必须经过无数次重复练习才能养成的时候，学琴者才算真正掌握了“练琴”的真谛。练习虽然不等于演奏，但必须要把基本技术中所要求的东西，揉和在乐曲中，同样会技艺大增。
3：把感觉、乐思理顺。 首先要把每个音都弹到。用什么指法，用哪种奏法，用什么力度和速度等，不能虚浮，不能飘溜。手腕、手臂如何配合，呼吸点如何衔接等，通过方方面面的困素，把每一个很贴合乐曲风格地创造出来。在这里，我仍然要强调一点，就是要对不同节奏和不同音符的组合的特点掌握好，把每种不同强弱的节拍、力度控制好，把每种调式和调性的风格分析好，把每个和弦及其不同连接与色彩处理好，再通过以下几种具体方法加以练习，我想会达到预期
的效果。
a：低指贴键练习。
这是一个“投石问路”或摸索式的行为。但“不知深浅，切勿下水”，我们必须先打探好来龙去脉，方可大胆行动，一往无前，在基本技术阶段，尤其是打基础的过程，我们时常都处于高抬指的强量练习之中。主要目的在于极大限度地开发掌关节，尤其是成人的骨架。能够通过这种貌似机械般的大幅度练习，尽快的将力量凝聚在掌心，使手腕尽早的进入放松状态，以便在最短的时间内，达到一定的独立性和灵活性，但在实际演奏中，尤其是速度较快的、一连串的十六分音符跑动中，低指贴键是非常有效的，而且能够获得集中、圆润、流畅的优良音质。因为手指的高级功夫不在于抬得高、飞得快、而在于控制住每一个手指，使之仅仅从琴键表面到键底的有限距离内，依靠微小而精确的动作，把音弹得结实、有力、集中和均匀。这样长时间的练习，会掌握并强化第一关节的坚挺和弹性。
b：中庸的速度和力度练习。
准确无误地弹奏，清晰连贯地弹奏，就得采用中等的速度（思维必须完全适应）和力度（主要指线条的强弱变化及声部的强弱层次）来练习，而且最好不用踏板，均匀平滑是练琴所应当达到的第一位与最基本的要求。除了慢练之外，这种既不太快又不太慢、既不太轻又不太响的演奏方法，十分有利于把整首乐曲弹得匀称，这对于真正示范或演出时，在紧张气氛与状态下保持对弹奏动作每个细节的严密控制，具有十分重要而现实的作用。
c：变速练习和变奏练习。
变速，就是改变速度，用不同速度练习一首乐曲。首先通过慢练，解决一切困难后，再变化不同速度进行练习，以便避免在实际演奏中，因各种原因干扰而出现错误。还能激活初学者对教材的兴趣，变枯燥乏味而新鲜有趣。比如，一首连续16分音符的快速跑动乐句，若要求达到d=132的速度，那可以从100开始，经过104、108、112、116、120、126等不同速度，最终达到132。显然，在这个变化过程中，还是以循序渐进的方式练习的。最好的办法是“一波三折”，即向快加一点，再向慢倒三点。如上例，从100开始连一遍，再倒后至88连三遍。这种方法要比上述递进式方法更好，始终有一种向前的动力，那就倒回来练习时所蕴积的力量和欲望。而且还可以不断地提醒自己哪里有问题。用同样的办法，从100开始，可向前滚动至136——140——144—→152等或更快的速度。一般情况下，一首乐曲至少要有五种不同速度。，即①正常速度，如d=132；②稍慢于正常速度，如d=126；③略快于正常速度，如d=136；④大大慢于正常速度，如d=116；⑤大大快于正常速度，如d=144等。
进行变奏，也是一种行之有效的练习方法。但这种方法对于初学者并不适合，容易造成时值上的错误。而对于有一定水平的人而言，则往往会起到“推波助澜”的效果。可以大大提高学习者对作品的把握和理解程度，还能够积累许多自由发挥的素材，对灵活练习具有很好的补充意义，但不可滥用，以便因变奏而失去了原有的风貌。
4、运用“有谱无琴”、“有谱有琴”、“无谱有琴”、“无谱无琴”的方法练习。
何谓“有谱无琴”，其实就是读谱，是研究和分析谱面地过程，乐谱只是一种信号，只是开启演奏之门的钥匙。
在初学阶段，识谱、视谱和读谱，甚至于抄谱、背谱都是必经之路，是基础的基础。乐谱、不像书法、绘画和文字作品，它仅仅是一种蕴含着博大的生命力的符号。只有通过声音才能够感受它的伟大、它的美妙。所以，读谱便成了演奏者通向绝伦音响世界的第一道门槛。如何才能迈进殿堂，首先必须弄清这些符号。鉴于本章是关天练习的问题，有关读谱，我也将专门论述。至于“有谱无琴”的练习，相关的问题，我也会在“关于读谱”一节中阐述。
“有谱有琴”，就像有嘴有饭，只须吃下去而已。其实这一环节也就等于视奏。其方法如上所述，可循着其脉去练。
“无谱有琴”，指的是背奏。这一方法，我同样要另文论述，本章不再赘及。
所谓“无谱无琴”，其实就是“练心”。犹如下盲棋，这是至高境界。“练心，乃是演奏者随时随地、凝思默想自己所弹奏的音乐，仿佛眼里充满乐谱，脑中全是形象，耳畔皆为音响，学习者只要摒弃任何杂念，但不是四大皆空，而是高度地集中精神，把所有弹奏的东西从头至尾反复思过，如放电影一般在脑海中经过，做到心中有数，方能在心底扎下根来，溶化成自己的灵肉，成为生命涌动的血脉。这种方法，在入睡前特别有效。
综上所述，练习是一个相当艰苦而复杂的疲劳过程，不仅要有极大的耐心和毅力，还需要旷日持久的恒心和执著不二的精神。许多成人之所以半路出家又半路途而废，主要原因就在心躁气浮，急功近利。既便是业余爱好，也应该细致严密，精益求精。因为学习音乐本身就很美妙，何况在练习过程中，始终又有动听的琴声相伴。无论是磨炼意志，还是陶冶情操，都将与你的生活息息相关。所以，成人在学习过程中，一定要结合自己的实际情况，根据本文所提出的练习方法等，一定会取得非常理想的效果，从而为你的生活增添无限乐趣。 | 
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发表于 2009-2-1 20:57:42
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楼主
太好了谢谢老师了,
